Nacionalismo musical: España

A partir del Barroco, la música producida en España no traspasaba nuestras fronteras y seguía la moda de otros países, principalmente Italia y Alemania. A finales del siglo XIX, un grupo de compositores españoles buscaron salir de esta situación de inferioridad  y  crear una auténtica música española. Para ello, investigaron la historia, tradiciones y folclore español con el fin de encontrar los rasgos musicales característicos que definían a la música española. Entre estos autores destacan: Isaac Albéniz, Enrique Granados y Manuel de Falla.

El uso del folclore en las obras cultas de realizó de dos formas distinas:

a) Introduciendo melodías tradicionales. Como ejemplo de esto vamos a ver el caso de “El Corpus en Sevilla” de la suite Iberia de Albéniz. Este movimiento refleja el ambiente de la procesión del Corpus Christi en Sevilla, incluyendo los redobles de tambor que anuncian el comienzo. El tema melódico principal está basado en la canción popular de La Tarara.

b) Imitando o recreando sus rasgos musicales característicos: escalas y patrones melódicos, ritmos, armonías… Este recurso fue el preferido por los compositores y el más valorado. Como ejemplo vamos a escuchar la “Danza ritual del Fuego” y “Canción del Fuego Fatuo” del ballet El amor brujo de Manuel de Falla. La música tiene un carácter claramente español a pesar de que no se incluye ninguna melodía tradicional popular española.

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Estilos continuistas: Impresionismo, Expresionismo y Neoclasicismo

La música del siglo XX buscará la innovación y la experimentación, aunque no todos los compositores romperán con el pasado en el mismo grado. Algunos estilos crean un nuevo mundo sonoro continuando con tradiciones musicales heredadas. Estos movimientos son el Impresionismo, el Expresionismo y el Neoclasicismo.

El Impresionismo surge en Francia a finales del siglo XIX en la pintura. Su intención es crear impresiones auditivas difuminadas. Aquí dejo el famoso Claro de Luna de Claude Debussy.

El Expresionismo es un movimiento principalmente alemán que busca la expresión del ser humano de forma pesimista, dura y desgarradora. En música esto se consigue mediante el uso constante de disonancias. Como ejemplo os dejo la canción “Noche” que pertenece al ciclo Pierrot Lunaire del compositor Arnold Schoenberg.

El Neoclasicismo musical es un estilo que surge como reacción a las novedades del Impresionismo y Expresionismo y que quiere volver a la claridad de las formas del pasado (especialmente del Clasicismo y del Barroco). Como muestra os dejo el principio del ballet Pulcinella, la primera obra en estilo neoclásico del ecléctico compositor Igor Stravinsky.

Ruptura

A principios del siglo XX surgen varios estilos musicales que suponen una verdadera ruptura con el lenguaje musical anterior. Los más importantes son:

El Futurismo: introduce el ruido en la música y rechaza el timbre de los instrumentos convencionales.

El Dodecafonismo: es una técnica de composición basada en los doce sonidos de la escala cromática. Todas las notas tienen la misma importancia y no se puede repetir ninguna por encima de las demás. Estos doce sonidos se ordenan formando una serie. Este método fue creado por Arnold Schoenberg.

El Serialismo: consiste en la aplicación del concepto de serie, introducido por el Dodecafonismo, a todos los parámetros del sonido (alturas, duraciones, intensidades y timbres).

La Música concreta: utiliza cualquier sonido o ruido de la realidad. Estos sonidos se graban en cintas magnetofónicas y posteriormente se manipulan en un laboratorio.

La Música electrónica: es una música producida completamente en laboratorio en la que los sonidos se crean, procesan y graban electrónicamente.

La Música aleatoria: ofrece una música indeterminada en función del azar y de la libertad de quien la interpreta. Para lograr esa libertad, la música aleatoria emplea grafías alternativas muy libres y sugerentes, o textos que invitan a la creación y la improvisación.